Paris Electronic Week 26 PEW 26

Consommation d'alcool en baisse chez les jeunes, fréquentation des clubs et festivals en recul, augmentation des coûts de production : la scène live électronique européenne traverse une crise économique structurelle qui oblige à repenser en profondeur le modèle économique de ces événements. Face à des publics dont les habitudes de sortie et le pouvoir d'achat évoluent, les pratiques qui ont fait la réussite des lieux et festivals jusqu’à maintenant montrent aujourd'hui leurs limites.

Cette contrainte peut aussi devenir une opportunité, celle de transformer nos espaces festifs pour mieux répondre aux enjeux actuels : plus de diversité sur les line-ups et dans le public, des espaces plus safes et bienveillants, une billetterie en phase avec le pouvoir d'achat réel de nos publics. Au-delà des seuls enjeux de remplissage, la refonte d’une stratégie de billetterie peut apporter une réflexion plus générale sur qui vient, pourquoi, et à quelles conditions.

Plusieurs clubs et festivals européens apportent déjà des réponses concrètes en ce sens : abonnements mensuels mutualisés entre plusieurs lieux voisins, gratuité ou tarification solidaire et progressive, possibilité d'apporter son propre alcool, programmations secrètes ou surprise, jauges repensées, horaires adaptés aux nouveaux rythmes de sortie... Autant d'approches qui visent à relancer la fréquentation sans compromettre les valeurs portées par les organisations, et qui redessinent une économie plus résiliente et plus inclusive pour nos scènes locales.

La vie nocturne a, depuis toujours, été un espace de création, de rencontres et de circulation artistique. C’est d'ailleurs sa capacité d’accueil et sa volonté de représenter une diversité d'expression et d'identités qui en font sa richesse culturelle et sociale. Pour nombre de ses acteur·rices issu·es de parcours migratoires, ce sont ces scènes qui constituent des premiers espaces d’intégrations, de rencontres et d’opportunités professionnelles.

Mais sous l’apparente volonté de diversité encouragée par la diplomatie culturelle, la mobilité internationale des artistes et autres acteur·rices de la scène est de plus en plus entravée.
Au-delà des complexités d'obtention des titres de séjour, dont l’État a prévu d’augmenter le coût de 50 %, les artistes et technicien·nes déplacé·es font aussi face à des difficultés majeures de régularisation. La tribune « Ne Suspendons pas la vie des artistes étrangers », publiée il y a plusieurs semaines, fait état des conséquences des retards administratifs : radiation de France Travail, gel des indemnités de l'intermittence du spectacle et incapacité d'exercer leur profession dans un cadre légal. Une angoisse amplifiée par le stress, la précarité, les loyers impayés ou encore la peur des contrôles policiers...

Comment expliquer ces abandons administratifs et l’absence de coordination entre les institutions ? Comment porter une voix collective pour visibiliser cette réalité et exiger des conditions dignes pour les travailleur·euses déplacé·es ?

A recent report "EU perspective on slow-touring in a fast-paced industry" by Courts Circuits and VibeLab finds that sustainable touring, when built around regional anchoring, cooperative networks, and artist well-being, does not require artists to sacrifice their careers. In fact, it may help ease the financial precarity that so often leads to artist burnout.

But how ?

After a brief presentation of the report findings, this session will open a collective discussion to figure out how and what can be done to lay the ground for slow touring uptake's across the industry, considering also how this model could go beyond simply preserving equity to actively fostering it : for mid-career artists, those wishing to start a family, neurodivergent artists, artists with mobility restrictions, and non-EU artists limited by visa constraints, etc.

Noir Video est un collectif spécialisé dans le mapping vidéo, le VJing et la scénographie lumière. Détournant également les vidéoprojecteurs de leur usage classique pour créer des jeux de backlight à travers la fumée, iels transforment la lumière projetée en matière scénique à part entière. Entre technique et poésie visuelle, Noir Video façonne des expériences immersives où l'image devient sculpture de lumière.

Artificial Intelligence is rapidly reshaping the music ecosystem, raising new questions for creators about authorship, copyright, transparency and the use of creative works. This workshop will focus on the practical reflexes every music creator should adopt: understanding their rights, protecting and registering their works, navigating AI-related risks and opportunities, and identifying the resources available through collective management organizations. A practical discussion designed to help creators make informed choices in an evolving landscape.

Dénuées de paroles et de vocaux dans une grande majorité des cas, les musiques électroniques sont particulièrement sujettes à la globalisation. En 2025, c'est selon le CNM le deuxième genre musical le plus exporté en France.

Dans un monde globalisé et hyperconnecté, l'accessibilité des outils et plateformes numériques permet aux artistes de toucher facilement un public international, sans compétences spécifiques requises. Néanmoins, un travail de plus long terme est nécessaire pour transformer un reach international en propositions de dates à l'étranger et ancrer durablement son projet dans de nouvelles régions, Un développement à l'international pérenne et qui puisse aboutir à la construction d'une tournée nécessite un accompagnement adapté, souvent difficile d'accès pour une majorité d'artistes émergent·es.

Des premières prises de contacts jusqu'à la construction d'une tournée internationale, ce workshop propose de passer en revue les étapes clés et les dispositifs mobilisables pour développer son projet artistique à l'international. Il s'appuiera sur le partage d'expérience de la DJ et productrice Olympe4000, complété par une présentation des dispositifs d'aides à la mobilité et au développement international que proposent l'Institut Français et le Centre National de la Musique.

Souvent invisibilisés, les métiers de production et de régie sont pourtant essentiels à la réussite d'un événement. Ils donnent vie à une proposition artistique et contribuent à en faire une expérience la plus agréable possible pour les artistes, le public et les équipes techniques : coordination avec les artistes et leur équipe, gestion des riders, relation avec les prestataires (son, lumière, structure), sécurité, plannings de montage et démontage, gestion de crise en temps réel, entre autres.

Par ses décisions, le·la chargé·e de production et/ou régisseur·euse d'événement joue aussi un rôle stratégique sur l'impact du projet : environnement et biodiversité, développement économique et ancrage local, professionnalisation des équipes, sécurité et réduction des risques.

Encore peu identifié dans les formations classiques, ce métier exige pourtant une polyvalence rare, entre logistique, diplomatie et sensibilité artistique, dans le respect des contraintes techniques, budgétaires, humaines et parfois climatiques propres à chaque projet.

Ce workshop propose un temps d'échange concret autour du métier de production et de régie d'événement dans les musiques électroniques : en quoi consiste le rôle d'un·e chargé·e de production ? Quelles sont les missions au quotidien ? Comment s'y former, quelles compétences développer, quels parcours possibles pour y accéder ? Et en tant que personne FLINTA, comment faire sa place dans un secteur encore majoritairement investi par des hommes cis; et ceci d'autant plus lorsqu'il s'agit des équipes techniques ?

Figure incontournable du turntablism français et international, Saligo est quadruple champion de France et vice-champion du monde DMC en catégorie Scratch. Il développe une approche du DJing à la fois technique, musicale et personnelle, nourrie par des influences allant de la Ghettotech au Break, au Footwork et à la Jungle.
Vendredi 2 octobre et pendant 3 heures, il proposera une initiation aux techniques de scratch et de mix, pour découvrir les fondamentaux du turntablism et apprendre à manipuler les platines avec précision et créativité.
Au programme : prise en main du matériel, premiers scratchs, travail du rythme et du geste, techniques et exercices pratiques pour développer son aisance derrière les platines. Initiation à prix doux( 10€) et limitée à 10 personnes.

Hewan Aman construit des espaces où les textures se répondent, les rythmes se déforment et les atmosphères prennent corps.
À travers différentes sonorités électroniques, ses sets s’intéressent moins aux genres qu’aux états de présence qu’ils permettent de traverser.
Basée à Paris, iel est à l’origine de Dub Delights sur Rinse France et développe Tentacular, deux espaces dédiés aux approches exploratrices de la musique électronique, où l’expérimentation se nourrit autant du collectif que de l’écoute.

Une initiation autour du mix sur plusieurs platines, pensé comme un jeu de couches, de fréquences et de densités. L’objectif étant d’apprendre à écouter ce que chaque morceau apporte au spectre sonore, superposer les éléments, naviguer les EQ et construire un flux continu en ajoutant et retirant de la matière.

Pureblast transcende les genres et les espaces : capables de transformer une salle de concert en un véritable dancefloor ou de faire monter dans un club une énergie digne d’un show punk, le duo parvient à s’adapter aux différents lieux qu’il investit pour faire vivre au public une expérience nouvelle de la fête. À la croisée du nouveau mouvement punk-électronique, leur musique fusionne voix puissantes, rythmes percussifs, synthés et lignes de basse agressive, puisées dans la dance music, la trance progressive, la techno ou encore le rock industriel — un son hybride qui déploie toute sa puissance sur scène. 

Pour la Paris Electronic Week, le duo proposera une initiation de trois heures dédiée à l’enregistrement de voix, entre théorie, pratique et échange d’expériences.

Une première partie théorique : setup technique, installation des micros et casques puis partage d’expériences des participant·es autour de l’enregistrement de voix

Une partie pratique avec une expérimentation en petits groupes autour de différentes approches de la voix : cris, parler, couplet, chant…
Deux groupes travailleront en parallèle sur le logiciel (organisation et tri des pistes, FX, happy accidents) et côté cabine (réglage du volume, communication avec l’ingé studio, utilisation d’un micro studio et pratiques de l’enregistrement) avant d’inverser.

Pour finir, un dernier temps d’échange autour sur les pratiques abordées pendant l’atelier et des projets des participant·es.

Au-delà de leur pouvoir fédérateur, les festivals et événements urbains ont un impact économique réel sur le développement des métropoles : des centaines de milliers d'emplois mobilisés, des retombées pour les prestataires et producteur·ices locaux·ales, des flux touristiques renouvelés chaque année, et une empreinte durable sur l'image d'une ville.

Cette influence économique leur confère de fait un rôle politique et culturel.

Choisir des artistes, mettre en lumière des scènes, réunir des communautés, créer des espaces de dialogue : la programmation façonne durablement le développement de la scène locale et participe à la construction d'une identité territoriale forte.

Cette empreinte culturelle se renforce dans la capacité d'un festival à faire cité. Un club, une salle de concert, un espace public ou un bâtiment patrimonial peuvent devenir des lieux de création, de recherche et de rencontre. Installations sonores, performances, parcours, ateliers ou projets participatifs : autant de formats qui font émerger de nouveaux usages et transforment notre manière d'habiter et de percevoir la ville.

L'attractivité d'un territoire, en plus de dynamiser les scènes locales et d'attirer de nouveaux·elles acteur·rices culturel·les, devient une porte d'entrée pour favoriser un dialogue avec les pouvoirs publics : autour de la vie nocturne, de l’accès aux espaces ou du soutien aux écosystèmes indépendants. Les festivals participent non seulement à la reconnaissance d'une culture, mais aussi aux conditions politiques et matérielles de son existence.

Alors, comment cette construction d'un héritage culturel vivant s'opère-t-elle concrètement ? Quelle place les festivals occupent-ils dans la mémoire d'une ville ? Et comment le soutien politique peut-il accompagner leur action dans la durée ?

Cet état des lieux propose une première analyse des violences racistes vécues dans le secteur festif et musical en France hexagonale. Réalisé à partir d'entretiens menés auprès d'artistes, de technicien·nes, d'agent·es de sécurité, de membres de collectifs, de professionnel·les du secteur et du public d’événements, il donne à voir la diversité des expériences et des réalités de terrain.

En s'appuyant sur les récits des personnes concernées, il met en lumière les mécanismes qui structurent ces violences, les stratégies mises en œuvre pour y faire face et leurs effets sur les parcours professionnels et personnels.

Cette restitution a pour ambition de poser les bases d'une réflexion collective et d’encourager les échanges autour des leviers d'action permettant de prévenir et de combattre le racisme dans le secteur.

La cartographie des acteur·rices de la scène live en Europe, réalisée par le SMA, LiveDMA et le réseau Reset!, montre qu'en 2026 un petit nombre de groupes transnationaux contrôlent une grande partie des festivals de grande jauge et des arenas. Ces groupes génèrent certains des revenus les plus élevés du secteur et, selon leurs déclarations officielles, connaissent tous une forte croissance, alors que des milliers de petites salles ancrées localement et de petits festivals fonctionnent avec des moyens financiers plus modestes et dans des conditions plus précaires. Leur influence ne se limite d'ailleurs pas à la détention de capital : elle passe aussi par une position dominante dans certains domaines (programmation, billetterie, sponsoring) ou par une présence stratégique au sein de conseils d'administration.

Ces travaux mettent en lumière la structure oligopolistique du marché de la musique live. Une observation qui s'étend à la musique enregistrée, où quelques majors internationales concentrent l'essentiel du marché, au détriment d'un grand nombre de labels indépendants qui peinent à rentrer dans leurs frais.

Ce constat soulève plusieurs questions que ce panel se propose d'explorer : si la scène indépendante constitue un vivier d'artistes émergent·es et un terrain d'expérimentation pour les grandes entreprises, quelle responsabilité ces groupes ont-ils vis-à-vis d'elle ? Compte tenu de l'organisation actuelle du marché, peut-on se priver d'une collaboration avec ces acteurs sans pénaliser le développement de ses artistes et de ses collaborateur·ices ? Dans un contexte de baisse des subventions publiques, peut-on envisager, et si oui comment, des collaborations avec les multinationales sans compromettre ses valeurs et son indépendance ? Et à défaut, quelles formes d'organisation collective permettent aujourd'hui de soutenir et renforcer la scène indépendante ?

Paola Avilés, alias DalidaCarnage, est une harpiste, performeuse et compositrice électroacoustique🪉

Sa musique est un terrain de jeu où elle manipule la harpe sous toutes ses formes : pincée, grattée, frappée, caressée, préparée. Chaque son, chaque vibration est explorée, contextualisée, ou déconstruite à l’aide de l’électricité. À travers la transformation électronique, les boucles, les bandes et le bruit, elle sculpte des paysages sonores à la fois fragiles et sauvages. Son univers est une plongée immersive dans un monde intérieur, où la musique devient un exorcisme, et une célébration des profondeurs cachées de l’âme.

Vendredi 2 octobre, elle proposera une masterclass dédiée au live électro-acoustique, l’occasion de découvrir sa pratique et sa manière de transformer la harpe à travers l’électronique pour construire une performance live à la croisée des musiques classique contemporaine, électronique et expérimentale.

Comment développer son label tout en conservant une ligne artistique claire et cohérente ?

À travers l'expérience de Tratratrax, ce workshop propose de décortiquer les choix qui structurent la trajectoire d'un label indépendant : sélection des artistes et des sorties, construction d'une identité sonore et visuelle reconnaissable, articulation entre exploration artistique et cohérence de catalogue, positionnement dans un écosystème saturé de références.

Il s'agira aussi d'aborder les questions plus concrètes que pose cette croissance : comment faire évoluer sa ligne éditoriale sans trahir son public premier ? Comment articuler prises de risque artistiques et impératifs économiques ? Comment le développement d'un label passe aussi par une stratégie de visibilité, de communauté et de collaborations pensée sur le temps long ?

Un moment d'échange pensé pour les porteur·ses de labels, artistes et professionnel·les souhaitant structurer ou consolider leur projet éditorial avec une vision artistique forte et durable.

Comment développer des financements privés sans perdre l'identité de son projet ?
À partir de l'expérience du Cabaret Vert, cet atelier proposera une méthode concrète pour construire une stratégie de partenariats cohérente avec les valeurs de sa structure. Nous reviendrons sur les différences entre mécénat, sponsoring et partenariat, les critères permettant d'identifier des partenaires compatibles avec son projet, les arbitrages auxquels sont confrontées les équipes culturelles, ainsi que les principales étapes pour bâtir une stratégie durable, crédible et créatrice de valeur pour toutes les parties prenantes.

L'objectif est que chaque participant·e reparte avec une grille de lecture, des outils directement mobilisables et des pistes d'action adaptées à son propre projet.

À l’occasion de sa 14ème édition, la Paris Electronic Week voulait mettre l'accent sur la pluradisciplinarité et l’impact social et émotionnel de la fête avec la première parisienne du spectacle “Errances Nocturnes”, une oeuvre imaginée par le collectif pluridisciplinaire Kluster née d’une question essentielle : pourquoi la fête libre est-elle un espace de refuge, de révélation et d’émancipation pour tant de personnes ?

À la croisée de la danse, de la musique électronique et de la scénographie numérique, le spectacle explore la culture de la nuit comme un véritable laboratoire social, où les normes vacillent, les corps se libèrent et le collectif devient moteur de transformation. En brouillant les frontières entre spectateur·ices et performeur·euses, “Errances Nocturnes” propose une expérience immersive et émouvante, célébrant le lâcher-prise, l’effeuillage de l’être et la puissance du vivre-ensemble.

La jauge étant limitée, deux représentations seront proposées : une première séance à 20h et la seconde à 22h.
L’achat d’un billet pour une séance vous permet d’avoir accès à Petit Bain pendant toute la durée de l’évènement. Toute personne ayant acheté un billet pour la seconde représentation aura accès à l'after avec le collectif Futile de 00h à 06h au Petit Bain. (Billetterie club sur le Shotgun de Petit Bain)

Le projet est soutenu par la mairie de Paris, le Ministère de la Culture et MNA Taylor, et est accompagné par Petit Bain, Stereolux, Le Temps Machine, Chateau Ephemère, File7, Les Laboratoires d’Aubervilliers et Le Confort Moderne.